Letizia Werth interessiert sich für die Zeichnung und ihre Materialität sowie für das Verhältnis der Zeichnung zu anderen Medien wie Photographie und Video. Unter dem Titel „Shadow Flowers“ fasst sie einen Zyklus monochromer Arbeiten zusammen, in denen sie Bilder von aufgefundenen anonymen — „verlorenen“ — Photographien aus privaten Wohnräumen in Graphit und Tusche auf die Leinwand transformiert. Auf dem Wege der Loslösung von der photographischen Vorlage treten Kategorien wie Raum, Zeit, Fiktion und Realität in ihrer Fragilität hervor. 

„Das Zeichnen ist ein unmittelbarer Prozess des Einverleibens und Verdauens […]. Er ist vergleichbar mit dem Fluss der Atemluft beim Ein- und Ausatmen, dem Innehalten sowie Loslassen und genau so halte ich die Zeit für ein paar Momente inne und bewege mich in neue Bildwelten hinein.“ Letizia Werth hat sich von Photographie, Video über das Röntgenbild bis hin zur Séance eingehend mit dem Einfluss verschiedener Medien auf die Wahrnehmung beschäftigt. In den Shadow Flowers verwischen die Grenzen von Geistigem und Körperlichem, Realität und Imagination. Einerseits wissen wir: es existieren reale Urheber, Zeiten, Entstehungsorte, doch sind diese für immer unbekannt, in Vergessenheit geraten, ausgelöscht. Zugleich tritt in den Vordergrund, was bleibt: eine schon damals eindringliche Stimmung oder eine geheimnisvolle Impression von Licht und Schatten, die uns vielleicht gerade deshalb so berührt, weil sie sich in der Welt des Alltäglichen ereignete — in einem stillen Wohnzimmer, beim Blick auf ein im Gegenlicht blendendes Fenster oder auf Topfpflanzen eines Balkons — irgendwo — irgendwann. Wo die Szenen ins Negativ gekehrt sind und sich Graphit und Tusche staubhaft auf der Bildoberfläche verdichten, entsteht ein Anklang an Unheimliches, Geheimnishaftes. Wer diese Photos schoss, muss von etwas berührt gewesen sein, das es wert war, festgehalten zu werden.

Beim Innehalten zwischen Schwinden und Auftauchen, Erinnern und Vergessen, beweisen uns diese Arbeiten die Sensibilität der Künstlerin für die Poesie von Zeitlichkeit und die Intensität des einmaligen, doch vergänglichen Moments.

Letizia Werth lebt und arbeitet in Wien und hat ein Diplom der Akademie der bildenden Künste Wien. Ihre Arbeit wurde durch zahlreiche Stipendien und Preise ausgezeichnet, zuletzt den Martin-Rainer-Preis 2024 und die Residenz Lademoen Kunstnerverksteder 2024 in Trondheim, Norwegen. Zu den jüngsten Ausstellungen gehören Bildraum 07 Wien (Solo), C.A.Contemporary Wien (Solo), Drawing now fair Paris (Solo), Kunsthalle West Lana Italien, Museion Bolzano Italien, Kunstforum Montafon Österreich, MIET Thessalonik Griechenland, Kunstforum Unterland Neumarkt Italien (Solo), 21er Haus, Wien. Ihre Werke sind u.a. in den Sammlungen des Landes Österreich (Artothek des Bundes), der Stadt Wien (Sammlung Wien Museum), der ÖBV Wien, der Stadt Attnang-Puchheim, des Parkhotels Laurin und der Raiffeisen Landesbank Südtirol vertreten.

Die illusionistische Kraft, die den Werken von Thomas Kleemann innewohnt, lässt vor den Augen des Betrachters Räume aus architektonischen und landschaftlichen Elementen entstehen. Polyperspektivisch und plastisch formuliert, oft mit Siliziumkarbit und pastoser Binderfarbmasse aufgebaut, scheinen sie sich beinahe begehen und anfassen zu lassen: Tunnel, Treppen, Ruinen, Mauern, dazwischen Farbschollen aus Lichtgelb, Kobaltblau oder Rot-Orange, dann ein Ufer, eine Klippe. Die Bedeutung dieser Dinge, oder: Zeugen der sichtbaren Welt bleibt rätselhaft und nährt unsere Phantasie. Dies macht Kleemanns Bildwelten autonom und unerschöpflich. Sich der Trennung von Abstraktion und Realismus widersetzend folgt der Künstler dem Ansatz, alles von der Malerei her zu denken, das heißt, Bildräume aus der Eigenlogik von Form und Farbe heraus zu entwickeln. Für den Betrachter öffnen sich so zugleich autarker Raum wie Zeit, in die er eintreten kann. — Was ist hinter der Oberfläche der Realität? Nichts vielleicht. Vielleicht alles.

Thomas Kleemann, 1954 in Geesthacht geboren, beschloss sein Studium an der Hochschule der Künste Berlin als Meisterschüler bei Johannes Geccelli. 1983 war er Stipendiat der Deutschen Akademie Rom Villa Massimo, Casa Baldi, und 1986-88 der Karl-Hofer-Gesellschaft, seit 1985 ist er freischaffend als Künstler tätig und lebt und arbeitet in Berlin und Melz/ Müritz. Kleemann verzeichnet zahlreiche Ausstellungen in namhaften Kunstvereinen, Galerien und Museen u.a. in Berlin, Hamburg, Potsdam, Düsseldorf, Saarbrücken, Mannheim, Dresden, Kiel, München, bspw. Einzelausstellungen im Ostholstein-Museum Eutin, Kulturforum Villa Oppenheim Berlin oder Rosenhang Museum Weilburg. Seine Werke befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen in über 20 Ländern, darunter Berlinische Galerie, Kupferstichkabinett, Staatliche Museen zu Berlin, Daimler Art Collection Berlin, Kultusministerium Schleswig-Holstein, Bürgergalerie Kiel.

Besäßen Kunstwerke ein Lächeln, dann wäre dies wohl oft ein sibyllisches. Sibyllen, die Seherinnen der altgriechischen Mythologie, antworteten auf die ihnen zugetragenen Fragen nach dem Wohl und Wehe des Schicksals stets nur in Andeutungen oder Rätseln und entließen manchmal ihre Gäste mit der Mehrdeutigkeit eines bloßen Lächelns. Nicht die eindeutige (Er-) Klärung war ihre Profession. Vielmehr gaben sie die Verantwortung des Nachdenkens und Deutens direkt (wie ein Spiegel?) zurück an die Ratsuchenden.

 Die Referenz auf dieses antike Motiv betont ein wesentliches gemeinsames Bestreben der beiden Künstlerpersönlichkeiten der Ausstellung, nämlich das Aufwerfen bzw. nicht zur Ruhe kommen lassen von Fragen, das heißt, die Lust am Fragen anregen, anstatt zu beantworten, verbunden mit der Faszination für alles Geheimnisvolle, Mehrdeutige, Absurde im Sein und Denken des Menschen. 

Der Experimentalfilmkünstler und Maler C.D. Aschaffenburg (*1953) realisiert diese Idee in einer speziellen Verbindung von zeitgenössischem Magischen Realismus und Experimenten im Bereich des Expanded Painting. Seine verdichteten Bildentwürfe, hier und da verknüpft mit Zitaten der Kunstgeschichte von antiker Mythologie bis zur klassischen Moderne, entfalten vieldeutige Welten voller Fantasie, Witz und Ironie.

Die Bilder der Malerin Maria Wirth (*1987) sind inspiriert von antiken Mythologien und surrealistischen Ideen, umkreisen dabei jedoch stets die Grenze zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit, konfrontiert mit eigengesetzlichen Substanzen wie Schellack, Leim, Asche und Pflanzenmaterialien. Weiblichkeit, Körperlichkeit, Intimität und das Durchkreuzen human(istisch)er und animalischer Identitätskategorien gehören zu den zentralen Themen ihrer künstlerischen Arbeit.

Jedes Lächeln ist eine mögliche Wiederverzauberung der Welt.

Jedes Lächeln ist Verführung und zugleich Verführtwerdenwollen.

Jedes Lächeln ist ein Beweis für die Uneinlösbarkeit der Hoffnung auf die eindeutige Wahrheit.

Jedes Kunstwerk ist ein mögliches Lächeln.

24.03. - 05.05.2022

Faces of life

Manfred Carpentier - Michael Dressel - Dieter Matthes

Mit Manfred Carpentier, Michael Dressel und Dieter Matthes begegnen sich in der Ausstellung drei Persönlichkeiten, die auch privat befreundet sind. Ihre Photographien teilen das Interesse am Menschen, vor allem an Menschen in den Großstädten der Welt. Was sie auszeichnet, ist die Art und Weise, wie sie uns die Welt in ihren Bildern wahrnehmen lassen. Ihre photographischen Konzepte decken ein breites Spektrum zwischen Innerlichkeit, Street Photography und einer Vorstellung von Mensch und Stadtraum als künstlerische Einheit ab.

Von 2010 bis 2018 leitete Manfred Carpentier, geboren 1954 in Gerolstein (Eifel), die Galerie Carpentier, raum für kunst in Berlin-Charlottenburg mit einem Schwerpunkt auf Berliner Photographen und berlinspezifischen Themen. Die Galerie war ein wichtiger Knotenpunkt für die Photoszene der Stadt und darüber hinaus. Carpentiers eigenes photographisches Werk umfasst Genres wie Landschaft, Stillleben, Akt und Porträt. In seiner Serie "Selfies" macht er sich selbst zum Modell. Die ausdrucksstarken Porträts, die mit einem Fernauslöser entstanden sind, wirken wie Standbilder einer kompromisslosen Selbstbefragung. Vor einem schwarzen Hintergrund fächern sich die Gesichter zu multiplen Identitäten auf. Folgt man ihren Titeln, erscheinen die Porträts wie Studien menschlicher Zustände: "Raten", "Schreien", "Staunen" - und immer die Frage: Wer bin ich? Carpentier löst die Antwort in Fragmente einer Bewegung auf, fast so, als würde der Photograph sich selbst mit seiner Kamera sezieren. Er ist allein, keine zweite Person im Raum. Ich und Ich. Durch die Überlagerung mehrerer Ergebnisse einer Aufnahme entstehen Bilder, die an den Maler Francis Bacon erinnern. In seiner Serie "Expressionismus" interpretiert Manfred Carpentier Texte der deutschen Dichter Jakob von Hoddis und August Stramm. Seine Photomontagen wirken ebenso fragmentarisch und irritierend wie deren expressionistische Gedichte. Sie bestehen aus Motiven von Open-Source-Bildern aus dem Internet und eigenen Photographien. In diesem "Eklektizismus" aus frei fluktuierenden Bildern aus dem Internet und eigenen Bildern kehrt der fragmentarische Charakter der "Selfies" wieder. In beiden Serien findet sich auch ein Verweis auf die Überkomplexität des digitalen Zeitalters mit seiner unüberschaubaren Anzahl von Identitäten und "Bildern". Und es geht auch um Kritik: "Jeden Tag", so Carpentier, "schwirren Milliarden von Selfies durch die von allem Sozialen sterilisierten Netzwerke, mit dem Ergebnis einer globalen, psychosozialen Verwahrlosung".

Michael Dressel erschient bereits mehrfach im Brennpunkt. Im November 2021 wurde sein Photobuch "Los(t) Angeles", verbunden mit einer Ausstellung im Schloss Rheinsberg publiziert. Im Juni 2022 waren seine Photographien in einer "Hollywood"-Ausstellung in der Helmut Newton Stiftung zu sehen. Diese wachsende öffentliche Präsenz ist eine längst überfällige Antwort auf eine besondere deutsch-amerikanische Künstlerbiografie und den Weg eines unverwechselbaren Straßenphotographen. Geboren 1958 in Ost-Berlin, Bühnenbildner, beim Versuch, über die Mauer zu fliehen, verhaftet und für zwei Jahre in einem Stasi-Gefängnis inhaftiert, fand Michael Dressel im Alter von 27 Jahren den Weg nach Los Angeles. Die Stadt wurde zu seiner zweiten Heimat. Jahrelang, in denen er als Tonmeister in zahlreichen bekannten Hollywood-Filmen arbeitete, photographierte er Menschen auf den Straßen der Stadt: skurrile Erscheinungen, zum Teil obdachlose, verwirrte und aggressive Menschen. Michael Dressels Ansatz ist die besondere Empathie und Augenhöhe, die er den Protagonisten seiner Aufnahmen entgegenbringt. Eine schwer einzuordnende Spannung zwischen Unsicherheit, ja, Entfremdung und gleichzeitig dem Gefühl, diesen Menschen am Rande der Gesellschaft nahe zu sein, ihre Würde anzuerkennen - das macht seine Arbeit so faszinierend. Trotz der fehlenden Tabus bei der Aufzeichnung von Armut, Verfall und sozialer Ausgrenzung beleuchten sie noch etwas ganz anderes: etwas, das uns alle verbindet. In einem Interview mit F. Scott Hess sagt Dressel: "Ich glaube an Magie, an die Magie, die entsteht, wenn man eine Kamera auf das Leben richtet und ein paar Hundertstelsekunden zu einem Bild einfriert. Danach verwandelt sich das Bild in etwas, das ausdrückt, was ich über diese Welt denke und fühle. Diese Magie ermöglicht es mir, mich selbst in dieser Welt zu photographieren." (zitiert aus Los(t) Angeles. Michael Dressel, Gingko Press/ Hartmann Books 2021, S.167)

Dieter Matthes, 1952 in West-Berlin geboren, promovierte an der Freien Universität Berlin in Humanmedizin und arbeitete neun Jahre lang als Facharzt für Innere Medizin und klassische Homöopathie. 1970 begann er, sich intensiv mit dem Medium Photographie zu beschäftigen. Er realisierte zahlreiche Veröffentlichungen in Photozeitschriften wie Photographie, Foto-Magazin, Olympus Magazin und Brennpunkt und erhielt Auszeichnungen auf internationalen Fotosalons. Ab 1989 konzentrierte Dieter Matthes seinen beruflichen Schwerpunkt auf die Photographie, zunächst als Journalist mit Aufträgen für Stern, ZEIT-Magazin, FAZ-Magazin, GEO-Magazin, Focus, Forbes und andere. Für das Magazin GLOBO begleitete er Reportagen in aller Welt, unter anderem über New York, Montevideo, Guadeloupe, Eastern Orient Express und Bangkok. Neben anderen Projekten war er zwischen 1995 und 2000 einer der Hauptautoren der "Blickwinkel"-Kolumne im Berliner Tagesspiegel. Seine Serie "Metropolis" erscheint wie eine Art internationale Charakterstudie von Großstädten: eine Studie über Beton, Stahl und Glas, über Sichtachsen, die in den Himmel fliehen, und einen Lebensraum, der fast ausschließlich aus Architektur besteht. In einer Welt, in der man nirgendwo einen Fuß auf den Boden setzen kann, wirken die Menschen klein und ausgeliefert. Dieter Matthes lässt sie oft in ihrem anonymen Raum stehen. Es gibt aber auch Aufnahmen, in denen die Protagonisten eine emotionale Verbindung zu ihm aufzubauen scheinen: ein intensiver Blick, eine flüchtige Berührung, ein sich küssendes Paar, ein Kind, das den Photographen beobachtet. Vor allem die Serie "Kindheiten" sucht nach solchen Momenten. Dieter Matthes' Bilder bewahren einen Standpunkt der stillen Kontemplation. So gelingt es ihnen mitunter, das Nebeneinander von Stadt und Mensch als künstlerische Struktur, als aufeinander abgestimmte Komposition wahrnehmbar zu machen.

Ob Malerei, Tuschezeichnung auf Papier, Installation oder Film, Maryam Motallebzadehs Kunstwerke lassen sich als eine Art Zeitzeugen verstehen - geschaffen im Bewusstsein um bestimmte Lebenszeiten und den Einfluss bestimmter gesellschaftlicher und politischer Umstände, die das Erleben und Denken der Künstlerin beeinflussen. Auch deshalb waren Reisen und Begegnungen mit anderen Kulturen stets eine wichtige Inspirationsquelle für ihre künstlerische Themenfindung.
Ausstellungen der gebürtigen Iranerin haben oft den Charakter von Räumen, die wie Tagebücher angefüllt sind mit Notizen und mit Spuren von Gedanken, Gefühlen und Erlebnissen aus einem bewegten Leben. Die Künstlerin hat sich, zwischen Orient und Okzident wandelnd, intensiv mit Themen wie Heimat, Identität, Sprache und dem Verhältnis von Ich und Natur beschäftigt.

Die Ausstellung „Vom Wind getragen“ steht im Zeichen des Themas Schicksal und versammelt Werke, die formal durch eine besondere Leichtigkeit und Dynamik gekennzeichnet sind. Schnell stößt man jedoch auch hier auf spannungsvolle Stellen, sei es, wo leidenschaftlich zerstäubendes Rot sanfte weiße Flächen angreift, sei es, wo das Motiv des Schleiers ein komplexes Bedeutungsfeld aus Verbergen und Aufdecken, Fremdheit und Intimität, Abweisung und Verführung eröffnet. In der Installation „Hinter dem Schleier“ arbeitet Maryam Motallebzadeh zum Beispiel mit der Symbolik, die dieses Motivs im alten Ägypten und im antiken Griechenland besaß. Dort stand der Schleier für die Scheide zwischen Leben und Tod, zwischen Täuschung und Erkenntnis, Tod und Wiedergeburt. 

Einige der in der Ausstellung gezeigten Arbeiten sind während der Corona-Pandemie entstanden und betonen die aktuelle Brisanz von Fragen nach Vergänglichkeit, Ungewissheit und, nicht zuletzt: der Liebe.

Corona Intra Views

21.05. - 19.06.2020

Die Ausstellung versammelt siebzehn Künstlerinnen und Künstler ganz unterschiedlicher Herkünfte, Werdegänge, Lebensphasen, Fragestellungen und Arbeitsstile. Den roten Faden der Ausstellung bildet einerseits die Corona-Pandemie: eine existenzielle, globale Ausnahmesituation im Leben und Arbeiten, die für die Kunstschaffenden wie für alle Menschen zugleich gemeinsame, verbindende wie auch individuell ganz differenzierte Erfahrungen mit sich brachte und bringt. Dies gilt jedoch nur in einem sehr weiten Sinne, denn was dieses künstlerische Zusammentreffen noch viel mehr sichtbar macht, ist das Sensorium der Künstlerin/ des Künstlers für die Bedeutungen zwischen den Zeilen, für den Freigeist, den Witz ebenso wie für das Detail und den kritischen Blick aus der Distanz.

Körperlichkeit in ihrer Vielfalt an Ausdruckswerten und Typen sowie in ihrer Empfindlichkeit gegenüber jeder Deformierung ist eine leitende Quelle der Arbeiten, die Maria Wirth in der Ausstellung präsentiert. Sie zeigen Körper und Figurenkonstellationen, die fragmentiert sind, in fremdartigen Haltungen verfangen, manchmal nackt und verzerrt, posierend oder tanzend, und immer fragil. Was die Arbeiten inhaltlich verbindet, sind ihre hermetischen Referenzen zu Motiven aus antiken Mythologien und philosophischen Diskursen, die sich für all die Gesichter des Leidenschaftlichen, die Suche nach dem Selbst und den Unbestimmbarkeitszonen des Daseins interessieren. 
Der deutsche Philosoph Hermann Schmitz sagte, Kunst sei “das Resultat einer Begegnung des Leibes mit den Gefühlen“. In diesem Sinne verstehen sich die in kraftvolle Farbräume gesetzten Figuren als sichtbare Konterparts von Wirklichkeiten des Gefühls- und Gedankenlebens. Körperlichkeit erweist sich hier als etwas, das vom Geist und dem Gefühlsleben durchdrungen ist, und umgekehrt zeigen sich Geist und Gefühl als etwas, das nicht ohne Körperlichkeit existiert. 

Figures as Ornaments: Leiber, die zu ornamentähnlichen Formationen werden, ornamentale Strukturen, die zu ausdrucktragenden Körpern auswachsen - Tiere, Menschen, Zwischenwesen. Ein Changieren zwischen Linie, Form und einem metaphysisch aufgeladenen Reich der Gestalten. 

 Titelgebend für die Ausstellung ist eine Werkserie der Künstlerin Maria Wirth (*1987 Berlin), die seit 2018 von der Dekonstruktion und formalen Verzerrung des menschlichen und immer wieder auch tierischen Körpers in Kommunikation mit Rhythmen ornamentaler oder abstrahierter organischer Formen geprägt ist. Immer wieder geht es um den Moment, in dem Linie und Form in Bewegungssuggestionen, Gefühlsanmutungen und auch synästhetische Charaktere umschlagen: es geht um Gestaltwerdung und Gestaltauflösung. Aus philosophischer Perspektive ist die Werkserie ein Nachdenken über die Einheit und Konsistenz von Identität und Bedeutung. 

Als Gastkünstler begrüßen wir den Iraner Mohsen Tighbakhsh alias Tiba (*1968 Teheran). Seine Malgründe sind handgewebte Teppiche vor allem aus Iran aber auch aus anderen Ländern wie Türkei, Griechenland und Nordafrika. Sie sind Zeugen uralter Lebensformen und besitzen je nach Herkunft spezielle Farben, Strukturen, Materialien und Alter. Unter Tibas Händen, seinerseits auch Meister der Webtechnik und virtuoser Tätowierer, entstehen auf diesen seltenen Teppichen spiralisch konturierte Figuren, die den rauen, haptischen Charakter des Hintergrundes mit farbiger Strahlkraft und einer Leichtigkeit in der Form durchbrechen. Jedes Motiv findet seine Balance in einem Miteinander von Figuration und Abstraktion. 

Die Frage nach dem Ich ist seit der Moderne der Scheidepunkt für das Gelingen des eigenen Lebens - We are made and we are making characters. In dieser Ausstellung lassen sich Sara Assadi (Iran), Maria Wirth (Deutschland) und Marek Benczewski (Polen) von der Bedeutungskomplexität des englischen Wortes Character inspirieren, um zeitgenössische Vorstellungen und Erfahrungen des Selbst mit künstlerischen Mitteln zu reflektieren. Das Selbst als „Character“ ist Persönlichkeit, ist individuelle Psyche, ist Expression, ist Imperativ. Es ist ein sowohl gemachter wie auch sich selbst kreierender Prozess. Um das sichtbar zu machen, experimentieren die drei KünstlerInnen mit dem „UnMaking“, das heißt, der Dekonstruktion von Charakteren. Der Gehalt ihrer Arbeiten entsteht durch das Auflösen, das Entflechten von klaren Rollen, Formen und Vorstellungen.